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Lo mejor del cine en 2011: LAS 20 MEJORES DEL AÑO

Seguimos nuestro conteo anual de LO MEJOR DEL CINE EN… 2011.

La única regla: sin importar el año o el país, sólo concursaban películas que hayan tenido exhibición comercial.

(si quieres conocer quiénes ganaron de 2008-2010, dale click por acá)

En esta edición ya llevamos
Los Momentos de 2011, velos aquí
Las Peores Traducciones, están en este link

Las Peores Películas de 2011

Tomando esto en cuenta… arrancamos con de las Mejores Películas, elegidas por el equipo de Filmsteria: @UnSixMasBotana @ElSalonRojo @AyCanijo @Chukunu

20 – EL CABALLO DE TURÍN
Cinematografía pura y dura. Una película compuesta de 30 planos secuencia (tomas continuas sin ningún corte), en blanco y negro con una precisión en su realización que nos hace pensar que su director, el húngaro Béla Tarr, es un tirano en el set. La historia es lo que según el realizador -también co-guionista-, le sucede al caballo que abrazó Nietzche después de evitar que un conductor lo golpeará.

Un pretexto para hablar de la siniestra naturaleza humana y de lo duro que puede resultar vivir.


19 – COPIA CONFORME
En su primera aventura fuera de su natal Irán,  Kiarostami no toma riesgos, aunque ello no le resta mérito alguno a esta, su primera cinta propiamente europea. Copia Fiel (por su título en español) es un fascinante e inteligente juego de espejos que mantiene al espectador en constante duda sobre si lo que se ve en pantalla es real o se trata de un muy elaborado engaño: ¿Acaso Miller y su acompañante (Binoche, quien jamás revela su nombre) son en realidad pareja?

Llena de ingeniosos encuadres y pequeños trucos visuales que hablan de la maestría de  Kiarostami como artesano de imágenes, Copial Fiel resulta en una película romántica, seductora e hipnótica, que rompe las reglas del género para preguntarse si acaso en el amor también existen copias y originales.

18 – 127 HORAS
Bicicletas, gente caminando, el mundo que gira y no se detiene. Aron Ralston, un hombre que gusta de desafiar a la naturaleza. 127 horas es un rush de emoción que nunca se detiene. La grandeza de la película radica en mantener la tensión en el espectador con un solo actor en la pantalla, que se desvive entre sus emociones, sus memorias y sus agallas para no dejarse vencer por las circunstancias, es decir, una piedra que le está aplastando el brazo y le mantiene cautivo en medio de la nada. Adrenalina pura.


17 – PRESUNTO CULPABLE
Hace mucho que una película mexicana no provocaba tanta polémica ni movía tantos intereses. Si acaso el mayor éxito de la cinta es lograr que la gente volteara hacia las cárceles y se diera cuenta lo podrida que está la justicia en este país.


Pero Presunto Culpable está en esta lista no por su denuncia, sino por su mérito cinematográfico. La película funciona como una muy buena cinta de género, con un extraordinario manejo del ritmo, el suspenso y la vuelta de tuerca. El documental es tan disfrutable como cualquier otra cinta de ficción. Inteligente, emotiva, contundente, nunca panfletaria, este documental no se queda en la simple exhibición de nuestras miserias nacionales sino que llama a la acción; hacer caso omiso sería condenarnos a ser cómplices y, con el tiempo, los condenados seremos todos.

16 – THE FIGHTER
El box ha dado a muchos campeones en el cine, la idea de un hombre/mujer que debe ganarse la vida midiéndose a golpes con otro sobre un ring es ya de por sí impactante, no por nada en este deporte las historias memorables abundan. The Fighter no se queda ahí, además de una historia desgarradora, basada en hechos reales, se le suman grandes actuaciones y algo que pocas películas tuvieron este 2011, corazón.

Bale (ganador del Oscar por su interpretación del terrible hermano drogadicto) y Wahlberg entregaron una de las mejores duplas del año, a la que se le sumaron excelentes actuaciones de Melissa Leo (también ganadora del Oscar) y Amy Adams. Un filme indispensable.

15 – BARNEY’S VERSION
Considerado uno de los personajes más cómicos de la literatura moderna, el personaje de Barney (llamado en la novela Barry) es interpretado por Paul Giamatti de manera magistral en La versión de mi vida. El personaje tiene un encanto irresistible gracias a la relación entre su impulsiva torpeza y el enorme apetito que tiene por vivir y encontrar el amor. La historia del hombre imperfecto pero con un gran corazón es, sobre todo, muy entretenida. 

14 – FISH TANK
El tema no es nada original (una familia disfuncional en medio del desamparo y la pobreza urbanas), lo que hace diferente a Fish Tank es que elude el convencionalismo, no se regodea en la miseria de los personajes y, peor aún, en el fondo es una película que sabe de esperanza, aunque no es precisamente optimista.


Con reminiscencias temáticas con An Education (la figura paterna que deriva en amante), el tándem entre Katie Jarvis (actriz descubierta en la calle mientras se peleaba con su novio) y el magnífico Michael Fassbender, logran que esta cinta se salga de todo parámetro, despojándose del tremendismo pero sin perder en intensidad. Por un momento queremos que Fassbender arrope a Katie y ambos salgan huyendo. El par de peces que luchan por salir de su prisión, pero que al tocar superficie inevitablemente se ahogarán.


13 – BRIDESMAIDS

La mejor comedia del año. Una cinta que le propinó una bofetada a los paradigmas de la cultura popular al gritar ¡No soy una chick flick! Kristen Wiig, con su nerviosismo latente y su habilidad para navergar entre géneros, comandó esta historia que fusionaba comedia, el drama,  pinceladas de road trip, romance y un sentido del humor muy ácido. Pero, su impacto no radica en estos elementos táctiles. Bridesmaids realmente presentaba la soledad de una mujer en una crisis y la fragilidad de las relaciones y la amistad.

Sus elementos cómicos que rayaban entre bromas peyorativas a viñetas que se mofaban de las torpes técnicas sexuales de lso hombres, coronaron una cinta que demostró que la mejor comedia no es aquella te bombardea continuamente de secuencias hilarantes, es aquella que nace de los momentos cotidianos.


 12 – EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Dentro de algunos años, podremos presumirles a nuestros hijos, a nuestros nietos o sobrinos: “Yo vi Rise of the Planet of the Apes en el cine”. Haber visto esta cinta en su estreno fue presenciar historia: fuimos testigos de la primera gran actuación de un personaje digital. Olvídense de Avatar, Andy Serkis, el hombre detrás de Caesar -el simio que inicia la revolución contra los humanos- logra mediante su disfraz hecho por computadora lo que nunca se había hecho: conmover a su público, asombrar a la crítica y hacer de esta cinta la primera cuyo actor protagónico jamás sale a cuadro, pero cuyo arte se destila entre unos y ceros.

No obstante, esta Planet of the Apes funciona gracias a su extraordinario montaje de guión, con un ritmo y narrativa tan precisos como reloj suizo. Es una cinta con mucho que decir y con una extraordinaria habilidad para decirlo sin aburrir, sin tropezar. Esperemos que a Serkis se la haga justicia y se le premie con una de esas estatuillas doradas de las que tanto se habla.

11 – MONEYBALL
Los equipos perdedores siempre tienen mucho más sabor que los ganadores, por lo menos para Hollywood. Sus incontables tragedias hacen todavía más épicas sus victorias o casi-victorias. En esta ocasión el perdedor del año cinéfilo se lo llevaron los A’s, equipo de la liga de baseball norteamericana, y la historia de su gerente deportivo (Brad Pitt). Un año después de haber perdido a varios de sus jugadores insignia los A’s recurren a los números para formar un equipo ganador con peloteros no ganadores, pero matematicamente confiables. Excelente.

10 – RANGO
Inteligente, anárquica, divertida, repleta de personajes tan terribles como añorables. Con un sinnúmero de guiños que no se quedan en el simple gag si no que refuerzan la trama y que todo cinéfilo seguramente coleccionó durante las casi dos horas que dura la película. Sin duda la mejor animación de este año y uno de los mejores westerns en mucho tiempo. Ah, y no es de Pixar.


9 – ALAMAR
Todos tenemos (o tuvimos) un padre. El lazo que nos conecta a él es inevitable. Alamar explora, de manera delicada y hermosa a nivel visual y narrativo, los sentimientos que se derivan de esa conexión, entre un padre y un hijo que están a punto de separarse. La historia se lleva a cabo en un imponente paraíso (mexicano, cabe destacar) en donde la ley de la naturaleza impera. El segundo largometraje de Pedro González Rubio reafirma su sensibilidad para aproximarse a las historias con complejidad emocional. Alamar nada con toda la confianza entre la delgada línea que separa la ficción del documental, superando el dilema que supone la mezcla de géneros y entregándonos una de las mejores películas mexicanas. 


8 – DE DIOSES Y DE HOMBRES
Un poema en 35mm. Una cinta contemplativa, íntima; una obra que alude estrictamente a la reflexión y a la fe… no de una forma religiosa; sino en la bondad oculta de cada ser humano. La secuencia final, es una imagen que se concentrará en nuestra memoria: una elegía que eleva al perdón como una de las cualidades más efectivas para transmitir sentimientos en el cine.

Sus encuadres y la fotografía brumosa, representan cuadros medievales y el cristianismo se halla frente a una cinta que no sólo confronta sus ideales volátiles, también a nuestros prejuicios que sucumben ante esta obra de arte.


 

7 – SENNA
Osado, irresponsable, sorprendente, ingobernable, apasionado, magnífico… veloz.  

En el mundo del automovilismo, Ayrton Senna da Silva es una leyenda que aún hoy día levanta pasiones. A diferencia de muchos documentales, Senna no es el simple registro de una vida ejemplar; es una cinta que sabe capturar la emoción y la velocidad de las carreras, prescindiendo de muchos de los clichés del género (como las “cabezas parlantes”) usando material de archivo, audios del propio Senna y grabaciones de las míticas carreras que lo volvieron una leyenda. Senna, o la genial crónica sobre el inevitable enfrentamiento dos hombres que al final resultaron ser complementos perfectos: el osado Senna contra el eficaz Prost. Uno arriesga, el otro calcula; uno rebasa, el otro acelera, uno quiere ganar… el otro quiere ser simplemente el mejor. 


 

 

6 – SOURCE CODE
Las películas de ciencia ficción por lo general salen mal libradas. Los guiones suelen ir de la inverosimilitud a la excesiva tecnicidad y por consiguiente a pobres y/o penosos resultados. Source Code es una de esas agradables excepciones en las que el el término ciencia ficción es simplemente un elemento dentro de la historia. El crédito se lo lleva sin duda el guión, creado a partir distintas capas y que toma elementos de distintos géneros. Una bomba frenética e intensa enfocada en las relaciones humanas, de esos filmes que, sin esperar mucho, nos impactó.


5 – TRUE GRIT
Tarde o temprano los Coen iban a filmar un western. Y la espera valió la pena: entregaron a mejor cinta del género en los últimos 20 años. La historia, basada en una cinta de John Wayne es un obra artesanal que no se apoya en arquetipos, al contrario, el guión forja antihéroes (una especialidad de estos cineastas) motivados por placeres mundanos. Esta cualidad, donde los adjetivos que se catalogan bajo estándares infantil del “bien” o “mal”, están divididos por una tenue e ínfima línea que logra posicionar a la película como un documento que retrata la condición humana de hallar la paz, a través de la violencia.

Su manufactura detallada (la dirección de arte y la fotografía son monumentales), aunada a las actuaciones complejas de Jeff Bridges y la novata Hailee Steinfeld, redondean una película que consagra a los Coen, como impresionistas modernos, y al western como un Lázaro a punto de resucitar.


 

4 –MIDNIGHT IN PARIS
 Woody Allen lo hizo: logró que el snobismo fuera digerible. Su fantasía europea plagada de referencias artísticas, lograron recordar a aquel genio de la comedia y el romance elitista, que cautivará a cinéfilos, crítica y audiencia rapaz en los años 70.

Esta cinta representa un parte aguas mediático y cultural: la guerra potencial entre (y sin caer en complejos, ni en tapujos de términos) el cine comercial y el de arte,  firmó una tregua, un pequeño balance que Allen  forjó bajo los estatutos de las corrientes de vanguardia y sus representantes que estudiamos durante la escuela. ¿O qué me van a decir que todos sabíamos quién eran los Fitzgerald, Stein, Hemingway, Lautrec?

Esta nostalgia endulzada y con viñetas de diferentes gamas (entre actuación, diálogos y un intermitente homenaje al surrealismo), convirtieron a Medianoche en París en una de la consentidas del año. El único pero de la cinta: seríamos tan permisibles con este tipo de historias si no fueran creación de Woody Allen…

Nunca lo sabremos: porque nadie más podría compaginar una trama tan exquisita como el sr. Allan Konigsberg.


3 – BLACK SWAN
Nina (Natalie Portman) es una joven y talentosa bailarina a la que le es otorgada la oportunidad de interpretar el doble papel protagónico en el Lago de lo cisnes. La transformación y el descubrimiento de su lado obscuro, se entreteje con la historia central de la obra de Tchaikovsky de forma magistral. En él somos testigos de un viaje psicológico y físico perturbador donde la realidad se dobla y confunde a través de imágenes tan terribles como sensuales.

Aronofsky nos sumerge en una espiral acompañada  de un poderoso score, nuestra pesadilla favorita de este 2011.


2 – BEGINNERS
El microcosmos en que nos encapsula el director y guionista Mike Mills, es una odisea familiar que, en cierto grado, rompe con los paradigmas de cursilería y lacrimosa trama  que involucra soledad, muerte y homosexualidad. Lo que se ve en pantalla es un retrato, un collage de estilos y recursos que sirven para darle vida a los sentimientos de los protagonistas: sus obsesiones, temores y su psique se condensan en recortes de revistas, ilustraciones o la comunicación subtitulada de un perro.

La forma en que Mills se acerca a esta autobiografía es al exponer dos tipos de amor tan intrínsecos en nuestra naturaleza: el amor filial y el sexual. En ambos cuestiona el origenn de los sentimientos (bajo cánones sociales, de afecto desinteresado o por costumbrismos); cada personaje de la cinta cumple una función para que cada una de las subtramas se desarrolle sin forzar sus engranes.

 Beginners fue una de las más gratas sorpresas del año, con su narrativa emotiva, los recursos visuales que la enriquecen visualmente, y su atmósfera que fusiona una historia de amor y con la relación padre-hijo. Y claro, los homenajes al cine silente y la probable nominación de Christopher Plummer como Mejor Actor de Reparto.
 

1 – TREE OF LIFE
El Árbol de la Vida, o la diferencia entre ir al cine a ver una película e ir al cine a sentir una película. Malick, sin 3D, sin asientos que se mueven, nos mueve los recuerdos con su bombardeo de imágenes, frases e ideas que rebotan en nuestra cabeza. Pero el mérito no es sólo de él: su experimento funciona gracias a la cámara, extraordinaria, lúdica y onírica de Emmanuel Lubezki. Sin el fotógrafo mexicano, la que probablemente sea la obra maestra de Malick se hubiera quedado en un mero intento.

Cualquier manifestación artística debe tener algo claro en la mente: producir catarsis en el espectador, y Malick lo logra de una manera palpable y tal vez incómoda: los dinosaurios y todo el embrollo del Big Bang, no es un capricho, es una bella y mordaz analogía sobre la vida del ser humano que inicia en su memoria. Ese es el verdadero sentido de esta cinta, ganadora de la Palma de Oro. Los recuerdos de una persona son un vaivén de sentimientos intermitentes.

Las tomas fijas, el letargo entre una escena y otra es un intento por emular cómo funciona la nostalgia; pero también la historia de cómo se desenvuelven los lazos familiares. El Arbol de la vida es para nosotros la mejor cinta del año, porque logró lo que pocas películas han podido transmitir: un sentimiento de pertenencia y trascendencia con cada toma y en cada escena.

 Y con esto concluímos… muchas gracias a todos por seguirnos y ser parte de estos conteos.

Lo mejor del cine en 2011: LAS 20 MEJORES DEL AÑO

Seguimos nuestro conteo anual de LO MEJOR DEL CINE EN… 2011.

La única regla: sin importar el año o el país, sólo concursaban películas que hayan tenido exhibición comercial.

(si quieres conocer quiénes ganaron de 2008-2010, dale click por acá)

En esta edición ya llevamos
Los Momentos de 2011, velos aquí
Las Peores Traducciones, están en este link

Las Peores Películas de 2011

Tomando esto en cuenta… arrancamos con LA PRIMERA PARTE de las Mejores Películas, elegidas por el equipo de Filmsteria: @UnSixMasBotana @ElSalonRojo @AyCanijo @Chukunu

20 – EL CABALLO DE TURÍN
Cinematografía pura y dura. Una película compuesta de 30 planos secuencia (tomas continuas sin ningún corte), en blanco y negro con una precisión en su realización que nos hace pensar que su director, el húngaro Béla Tarr, es un tirano en el set. La historia es lo que según el realizador -también co-guionista-, le sucede al caballo que abrazó Nietzche después de evitar que un conductor lo golpeará.

Un pretexto para hablar de la siniestra naturaleza humana y de lo duro que puede resultar vivir.


19 – COPIA CONFORME
En su primera aventura fuera de su natal Irán,  Kiarostami no toma riesgos, aunque ello no le resta mérito alguno a esta, su primera cinta propiamente europea. Copia Fiel (por su título en español) es un fascinante e inteligente juego de espejos que mantiene al espectador en constante duda sobre si lo que se ve en pantalla es real o se trata de un muy elaborado engaño: ¿Acaso Miller y su acompañante (Binoche, quien jamás revela su nombre) son en realidad pareja?

Llena de ingeniosos encuadres y pequeños trucos visuales que hablan de la maestría de  Kiarostami como artesano de imágenes, Copial Fiel resulta en una película romántica, seductora e hipnótica, que rompe las reglas del género para preguntarse si acaso en el amor también existen copias y originales.

18 – 127 HORAS
Bicicletas, gente caminando, el mundo que gira y no se detiene. Aron Ralston, un hombre que gusta de desafiar a la naturaleza. 127 horas es un rush de emoción que nunca se detiene. La grandeza de la película radica en mantener la tensión en el espectador con un solo actor en la pantalla, que se desvive entre sus emociones, sus memorias y sus agallas para no dejarse vencer por las circunstancias, es decir, una piedra que le está aplastando el brazo y le mantiene cautivo en medio de la nada. Adrenalina pura.


17 – PRESUNTO CULPABLE
Hace mucho que una película mexicana no provocaba tanta polémica ni movía tantos intereses. Si acaso el mayor éxito de la cinta es lograr que la gente volteara hacia las cárceles y se diera cuenta lo podrida que está la justicia en este país.


Pero Presunto Culpable está en esta lista no por su denuncia, sino por su mérito cinematográfico. La película funciona como una muy buena cinta de género, con un extraordinario manejo del ritmo, el suspenso y la vuelta de tuerca. El documental es tan disfrutable como cualquier otra cinta de ficción. Inteligente, emotiva, contundente, nunca panfletaria, este documental no se queda en la simple exhibición de nuestras miserias nacionales sino que llama a la acción; hacer caso omiso sería condenarnos a ser cómplices y, con el tiempo, los condenados seremos todos.

16 – THE FIGHTER
El box ha dado a muchos campeones en el cine, la idea de un hombre/mujer que debe ganarse la vida midiéndose a golpes con otro sobre un ring es ya de por sí impactante, no por nada en este deporte las historias memorables abundan. The Fighter no se queda ahí, además de una historia desgarradora, basada en hechos reales, se le suman grandes actuaciones y algo que pocas películas tuvieron este 2011, corazón.

Bale (ganador del Oscar por su interpretación del terrible hermano drogadicto) y Wahlberg entregaron una de las mejores duplas del año, a la que se le sumaron excelentes actuaciones de Melissa Leo (también ganadora del Oscar) y Amy Adams. Un filme indispensable.

15 – BARNEY’S VERSION
Considerado uno de los personajes más cómicos de la literatura moderna, el personaje de Barney (llamado en la novela Barry) es interpretado por Paul Giamatti de manera magistral en La versión de mi vida. El personaje tiene un encanto irresistible gracias a la relación entre su impulsiva torpeza y el enorme apetito que tiene por vivir y encontrar el amor. La historia del hombre imperfecto pero con un gran corazón es, sobre todo, muy entretenida. 

14 – FISH TANK
El tema no es nada original (una familia disfuncional en medio del desamparo y la pobreza urbanas), lo que hace diferente a Fish Tank es que elude el convencionalismo, no se regodea en la miseria de los personajes y, peor aún, en el fondo es una película que sabe de esperanza, aunque no es precisamente optimista.


Con reminiscencias temáticas con An Education (la figura paterna que deriva en amante), el tándem entre Katie Jarvis (actriz descubierta en la calle mientras se peleaba con su novio) y el magnífico Michael Fassbender, logran que esta cinta se salga de todo parámetro, despojándose del tremendismo pero sin perder en intensidad. Por un momento queremos que Fassbender arrope a Katie y ambos salgan huyendo. El par de peces que luchan por salir de su prisión, pero que al tocar superficie inevitablemente se ahogarán.


13 – BRIDESMAIDS

La mejor comedia del año. Una cinta que le propinó una bofetada a los paradigmas de la cultura popular al gritar ¡No soy una chick flick! Kristen Wiig, con su nerviosismo latente y su habilidad para navergar entre géneros, comandó esta historia que fusionaba comedia, el drama,  pinceladas de road trip, romance y un sentido del humor muy ácido. Pero, su impacto no radica en estos elementos táctiles. Bridesmaids realmente presentaba la soledad de una mujer en una crisis y la fragilidad de las relaciones y la amistad.

Sus elementos cómicos que rayaban entre bromas peyorativas a viñetas que se mofaban de las torpes técnicas sexuales de lso hombres, coronaron una cinta que demostró que la mejor comedia no es aquella te bombardea continuamente de secuencias hilarantes, es aquella que nace de los momentos cotidianos.


 12 – EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Dentro de algunos años, podremos presumirles a nuestros hijos, a nuestros nietos o sobrinos: “Yo vi Rise of the Planet of the Apes en el cine”. Haber visto esta cinta en su estreno fue presenciar historia: fuimos testigos de la primera gran actuación de un personaje digital. Olvídense de Avatar, Andy Serkis, el hombre detrás de Caesar -el simio que inicia la revolución contra los humanos- logra mediante su disfraz hecho por computadora lo que nunca se había hecho: conmover a su público, asombrar a la crítica y hacer de esta cinta la primera cuyo actor protagónico jamás sale a cuadro, pero cuyo arte se destila entre unos y ceros.

No obstante, esta Planet of the Apes funciona gracias a su extraordinario montaje de guión, con un ritmo y narrativa tan precisos como reloj suizo. Es una cinta con mucho que decir y con una extraordinaria habilidad para decirlo sin aburrir, sin tropezar. Esperemos que a Serkis se la haga justicia y se le premie con una de esas estatuillas doradas de las que tanto se habla.

11 – MONEYBALL
Los equipos perdedores siempre tienen mucho más sabor que los ganadores, por lo menos para Hollywood. Sus incontables tragedias hacen todavía más épicas sus victorias o casi-victorias. En esta ocasión el perdedor del año cinéfilo se lo llevaron los A’s, equipo de la liga de baseball norteamericana, y la historia de su gerente deportivo (Brad Pitt). Un año después de haber perdido a varios de sus jugadores insignia los A’s recurren a los números para formar un equipo ganador con peloteros no ganadores, pero matematicamente confiables. Excelente.

Lo mejor del cine en 2011: LAS 10 PEORES DEL AÑO

Seguimos nuestro conteo anual de LO MEJOR DEL CINE EN… 2011.

La única regla: sin importar el año o el país, sólo concursaban películas que hayan tenido exhibición comercial.

(si quieres conocer quiénes ganaron de 2008-2010, dale click por acá. Ayer fueron Los Momentos de 2011, velos aquí; o Las Peores Traducciones, están en este link)

Tomando esto en cuenta… arrancamos con nuestra segunda categoría:

LAS PEORES CINTAS DE 2011

10–  TWILIGHT…
En verdad era necesaria esta película. Si hay algo “bueno” que distingue a la saga de los vampiros brillantes y a los lobos en esteroides es, por lo menos, el uso de efectos especiales en secuencias de acción. En esta primera parte del episodio final, el climax de acción es la noche de “pasión” entre Edward y Bella. Y ya. Lo demás es un tortuoso viaje por un complicado embarazo. ¿En serio? Entendemos perfectamente el odio de todo novio, amigo o conocido que acompañó a una fan de la serie a ver este bodrio. Fail.

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9 – EL ENCANTO DE LA BESTIA
Comedia romántica con un mirrey del Upper East Side de Nueva York que retoma la historia de La bella y la bestia, la vuelve moderna y de paso insoportable. Todo es tan plástico que resulta desagradable. Lo peor de todo es el maquillaje del protagonista después de que ha sido “maldecido”. No hay rastros de ninguna bestia. La maldición es haberlo convertido en un emo pelón con tatuajes de ramas en la cara.

No, perdón, la verdadera maldición es que la vean. Cualquier capítulo de Gossip Girl es mucho mejor. 

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8 – ELLA Y EL CANDIDATO
“De los creadores de El Estudiante”, esa era la señal para salir corriendo de la sala.

El director de aquella cinta regañona contra los jóvenes, que hace dos años se convirtió en una de las más taquilleras del país, Roberto Girault, regresa ahora con otra cinta igual de regañona, moralina y chabacana que la anterior, nomás que ahora los regañados son la clase política.

La cinta nos invita a ver la caída moral de un candidato a la presidencia de México (mezcla entre Colosio y Peña Nieto), quien le empieza a ir mal en las encuestas por no pensar en su familia y el pueblo y sólo pensar en los votos. Ajá. Decir que esta cinta es ingenua es lo menos, aparte de mal escrita y peor actuada, resulta en un verdadero insulto a la inteligencia. ¿O en serio creen que con películas como ésta, la clase política será mejor? Si no leen, cuantimenos van al cine…

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7 – VIENTO EN CONTRA

El trailer lo dice todo… y al mismo tiempo nada, porque… ¿qué creen? ¡Es un thriller donde hay miles de giros de tuerca! Aunque les podemos apostar un riñón a que a la mitad de la cinta, ya adivinaron quién es “el malo”… Claro, si es que siguen despiertos.

Los diálogos de esta cinta, parecen salidos un comercial de detergente de los años 40; pero lo que es resalmente triste, es cómo intentan emular a Punto de quiebra (aquí en lugar de surfers, son paracaidistias)… y bueno ni hablar de la promoción sanguinaria a Valle de Bravo y a un tequila cuyo nombre no recuerdo.

Pero saben algo… todo se podría perdonar si las actuaciones fueran decentes. Pobre Bárbara Mori, no sabe que cada día que pasa, su talento disminuye porque envejece. Es increíble la forma en que proyecta el mismo rictus en cualquier despliegue emocional, nunca sabemos si sufre, es feliz o tienen miedo… ¡no tiene sentimientos! Y otro perosnaje, su hijo, tiene el mérito de hacer ver a todos los demás niños-actores como Marlon Brando o Robert De Niro. Ah, claro, casi lo olvidábamos, si tienen el valor de ver esta cinta, por favor, chequen la escena del paracaídas en el lago de Valle de Bravo. Es tan de mal gusto, y tan mal hecha (e involuntariamente graciosa) que hace ver a los programas de Chespirito de hace 40 años, como un trabajo de Spielberg.

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6 – SUCKER PUNCH
Sucker Punch está en esta lista simplemente por ser la promesa no cumplida de este 2011. Fue, sin duda, la decepción del año. Y es que nada funciona, ni las actuaciones, ni la reinterpretación de canciones como “Where is my mind” de los Pixies, ni los efectos especiales, nada. Como película es nefasta, como video musical con chicas vestidas en trajes entallados, bueno, eso sí se agradece.

Zack Snyder, nos quedaste a deber, lo tuyo, lo tuyo está adaptando comics, no en el desarrollo de guiones.

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5 – VETE MÁS LEJOS, ALICIA
La Inquisición Fílmca, el Santo Oficio de 35mm. Así se siente esta tortura que gracias a todos los santos y a todas las vírgenes, de todas y cada un de las capillas del mundo… sólo dura una hora. Esta cinta con todo su pseudo glamour pretenciosho, parece realizada por un estudiante de telesecundaria con sus planos holandeses o sus giros de cámara completamente innecesarios.

Es doloroso ver que una película no se dirige hacia ninguna parte. Entendemos que se trata sobre una chica que se busca a sí misma, y que además sueña con conocer la nieve (saludos, vecinos del Ajusto, Nevado de Toluca y Sierra Tarahumara). Pero su leit motiv es tan absurdo ―o mejor dicho inexistente, no busca nada: amor, un destino, un futuro―, como aburrido. Es un insulto, un pseudo homenaje al cinema veritè. No porque se intenté documentar la “vida real”, se tiene que ser tan peyorativo.

Vete más lejos, Alicia es una cinta caprichuda, sin fundamentos, soporífera y que agrede al cine independiente de nuestro país.  

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4 – TRANSFORMERS 3
Siempre recordaré aquellos 154 minutos (154 minutos, ¡dios!, esta porquería sí que dura un buen) como los peores de mi vida. Transformers 3 ha sido una de las experiencias más desagradables que he tenido en el cine. Y es que este pastiche de explosiones e incoherencias del señor Bay es definitivamente lo peor de su ya de por si insulsa carrera. Así como hay cineastas que tienen especial cuidado por el guión, el encuadre, el ritmo y la estructura; tenemos en contraparte a Michael Bay a quien todo lo anterior le importa un carajo. Lo suyo es el ralentí perpetuo, el encuadre en contrapicado (para que sus personajes se vean bien heroicos, ya saben), el closeup a las nalgas de la chica guapa (hasta eso faltaron más de ese tipo de escenas), el humor pueril y la exaltación a la milicia gringa como una de las mejores instituciones que pueda haber en el mundo.


Una auténtica basura que, no obstante, recaudó miles de millones en todo el mundo. Y la historia no acaba ahí, ya está confirmada la cuarta parte de esta “saga”. Definitivamente el mundo acabará en 2012. Lo leyeron primero aquí, conste.

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3 – JACK & JILL
Imagínense que ya tienen un personaje malo, aburrido y soso. Ahora, vístanlo de mujer y háganlo más vulgar. Junten a los dos y añadan a Eugenio Derbez como un jardinero mexicano, típico estereotipo del migrante visto por los gringos. Aah, échenle una pizca más de Derbez también trasvestido interpretando a la abuela de la familia. El resultado: una película con un humor tan odioso que dan ganas de salirse de la sala.

Definitivamente, el punto más bajo de la carrera de Adam Sandler. Terrible y triste. 

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2 – THIS IS NOT A MOVIE
¿En qué se parecen Arturo Ripstein y Olallo Rubio? En que ambos, ante el fracaso de sus últimas cintas, se lanzaron contra el público y la crítica, acusándolos (acusándonos) simplemente de “ignorantes”, reprochando que “no entendemos nada”, culpando ambos al público de sus fracasos. 


Así sucedió en Morelia cuando, por Twitter, emitimos nuestra opinión sobre las infames dos horas que sufrimos viendo la película de Olallo Rubio. Reiterativa y con una falta absoluta de recursos narrativos, This is Not a Movie no es más que una genial impostura de un director que, después de convertirse en un ídolo de la radio, sorpresivamente quedó sordo ante la crítica.

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1 – LINTERNA VERDE
Sí, aunque no lo crean hubo algo peor que la nauseabunda ópera prima de Elisa Miller, la orgía de FX  de Michael Bay, o el infierno patrocinado por Adam Sandler. Este blockbuster, (perdón corrijo… anti blockbuster porque ni siquiera logró la expectativas monetarias), se lleva el codiciado título de la Peor Cinta de 2011.

Los actores encabezados por Reynolds trabajan en estado pasivo, los efectos especiales son criminales y las escenas de acción, merecen una demanda de los nietos de los productores de las películas de El Santo, por robarse sus paupérrimas ideas.

Vaya, hasta el bebé-sol de los Teletubbies  es más creíble.

Hal Jordan es uno de los peores personajes de cómic llevado a la pantalla grande, en toda la historia: es un héroe plano que nunca afronta su destino, no tiene crecimiento personal y es un simple maniquí de aparador que debe pelear contra una bola de espagueti gigante. Dudo que algún niño sueñe con ser como él (de ahí su fracaso en taquilla); pero, eso no es lo peor: esperen conocer al villano (tan irreal, tan absurdamente moralino).

El gran error de esta cinta y por lo cual está en nuestro primer lugar es porque nos agrede como público: no hay espectáculo, no existe la empatía, y mucho menos el deseo inherente de darle una segunda oportunidad.

Y lo más doloroso, y no hablamos de cine, sino de cualquier manifestación cultural, artística o de simple y llano entretenimiento es dejar una huella, una memoria escondida. Linterna verde se va directamente al olvido  (aunque irónicamente será recordada por, como dijera Homero Simpson, ser una bazofia).

Lo Mejor del año: LAS PEORES TRADUCCIONES DE 2011

Seguimos nuestro conteo anual de LO MEJOR DEL CINE EN… 2011.

La única regla: sin importar el año o el país, sólo concursaban películas que hayan tenido exhibición comercial.

(si quieres conocer quiénes ganaron de 2008-2010, dale click por acá. Ayer fueron Los Momentos de 2011, velos aquí)

Tomando esto en cuenta… arrancamos con nuestra segunda categoría:

LAS PEORES TRADUCCIONES DEL AÑO


10– ASÍ SE SIENTE EL AMOR – Beginners
Además de que suena como:
a) disco de chistes de Polo Polo… con un albur inmediato.
b) canción de Mocedades o Pimpinela

c) novela nocturna con una canción ídem interpretada por… bueno entienden el punto.
d) el tagline de la película en inglés, literalmente traducido: Beginners, This Is What Love Feels Like. Por esta razón sólo ocupa el décimo lugar… No es un crimen… es simplemente esta insoportable tendencia a ponerle una frase a una pelicula a la que intentan dejarle su nombre en inglés. ¿Juay?


 

9 – AL FILO DE LA MENTIRA - The Debt
Insistimos. El origen del problema son las telenovelas, el melodrama fácil. Y aquí es muy grave. Todo el conflicto de la película recae en la idea de la deuda (the debt). Los protagonistas cargan con una culpa muy grande por haber incumplido su misión y se sienten en deuda con su gente. Lo único que está al filo de la mentira es justamente esa traducción.

 

8 – EL AMOR LLAMA DOS VECES - Larry Crowne
Tenemos claro que cuando el título de una película es el nombre del personaje principal “Jerry Maguire”, “Erin Brockovich”, etc…, el consejo supremo que se dedica a ponerle nombre a las películas la pasa mal, la pasa muy mal. Saben o creen saber que el nombre propio de un tipo o una señorita cualquiera no venderá boletos por lo que se encomiendan la tarea de encontrar el meollo de la película. Un reto difícil. A pesar de que todo el mundo sabía que este bodrio de Tom Hanks y Julia Roberts, no iba a ser un hit comercial seguramente, en esa junta se escucharon frases como “Qué tal ‘El amor llama dos veces’, como el cartero”, hubieron aplausos en la sala de juntas, los posters a imprenta, los subtítulos a subtitular y listo. Queremos imaginar que así fue la escena. Neta que no se nos ocurre más… Recuerden que menos es más y sobre todo en el asunto de las traducciones de películas poooor favor.

 

 


7 – LA ÚLTIMA PELEA - Warrior
Canten con nosotros… “Pollito, chicken; gallina, hen; lápiz, pencil… y warrior, guerrero. De verdad… ¿había demasiada ciencia o se necesitaba a un lingüista para poder traducir con sencillez y claridad este título? O a lo mejor tenían miedo de que la gente lo confundiera con el estado de la República o peor aún, con una estación del Metro. Lo peor de esto, es que te dicen un 90% del clímax de la película. Un pecado común de las malas traducciones de cintas deportivas: El último strike, El último minuto, El último time out… Basta ¡es la última vez que queremos esto!
 


 

6 – 8 MINUTOS ANTES DE MORIR - Source Code

Bue Por alguna razón el 8 es el número favorito de la industria, así de golpe… 8 ½ , 8mm, Super 8… vaya, hasta El Chavo del 8. Pero eso no implica que tengan que usarlo bajo cualquier pretexto. El título es maratónico, revela la premisa básica la trama y además cualquier sufijo que utilice las palabras “antes de morir”, ya denota un falta de imaginación. Peeero… siendo sinceros, era difícil traducirla.. tal vez Código de origen, o Soldado Viajero en el Tiempo… mmm, mejor nos dedicamos a escribir. Por su atención, gracias.



5 – LA VERSIÓN DE MI VIDA - Barneys versión
La traducción literal de este título es “la versión de Barney”. No sabemos si les dio miedo que se confundiera con el irritante dinosaurio cursi de color morado o el amigo de Homero de Los Simpsons y entonces, como es costumbre, optaron por un título más cercano al de una novela.


 

4 – SOLTEROS EN EL TIEMPO - Hot Tub Time Machine
Bueno, habría que reconocer que aquí si estaba complicado. De entrada porque la palabra hot tub es difícil de traducir, ¿bañera de hidromasaje? Aquí en México el título en español intentaba ser un homenaje –algo chafa- a dos series de televisión, clásicas: Viajeros del Tiempo (Voyagers!) y Viajeros en el tiempo (Quantum Leap). Como sea tampoco es para alarmarse, la película es tan buena como lo puede ser una cinta sobre unos tipos que viajan en el tiempo gracias a su jacuzzi mágico. WTF?

(vaya, ni hay póster en español).


 

3 – VIVE, AMA Y DA TODO LO QUE TIENES - Fish Tank
Oficina de distribuidora, 9 de la noche, algún viernes de 2011: “Oigan, se me olvidó decirles, tenemos cinco minutos para mandar el título en español a RTC de la de Fish Tank, ¿cómo le ponemos?”, “Ahh, pues, ¡la pecera!”, “No mames idiota, ¿quién vería una película llamada así?, la van a confundir con una película mexicana sobre ruleteros o algo”, “Carajo, pues así se llama, ¿yo qué?, o le podemos poner, Bailando por un sueño, ¿eh, qué tal?”, “De plano están del nabo… a ver, ¿cómo le pusieron en Argentina?”, “Los argentinos le pusieron El Rebelde mundo de Mia”, “¿En serio?, jajajaja, idiotas. A ver, nosotros lo podemos hacer mejor. Nos quedan tres minutos…”, “Claro, ahorita se nos ocurre algo chingón…, ahorita…”
 

 

2 – ASÍ PASA CUANDO SUCEDE - Whatever Works
Otra de esas escenas bizarras, como cuando llega el dueño de la empresa donde trabajas y acabas de pedir de desayunar unas sincronizadas con cebolla, es cuando el consejo supremo traductor de títulos de películas recibe una cinta de Woody Allen. “¿Por qué? ¡¡¡Nooooo!!!!” Desmayos y toda la cosa. Este director noeyorquino tiene la costumbre de nombrar sus filmes con dichos, frases y títulos que son juegos de palabras, peeeeero, una cosa es el inglés y otra el español. Y no, ninguno es más que otro, pero se imaginan que los gringos dijeran “water parties” a los aguafiestas o “the clown has carried you” a la frase “ya te cargó el payaso”, NI-AL-CASO. Para esta peli decidieron ocupar un dicho de mamá, “Ay m’hijo, así pasa cuando sucede”. Estoy seguro que con ese mismo pensamiento hacen las traducciones de los diálogos y por eso seleccionan a tipos como Adal Ramones y Eugenio Derbez, que hablan con dichos de mamá, para hacer los doblajes. Terminamos con folclorismos que dan pena ajena y que no tienen nada que ver con el tono de las películas y mucho menos con el del director. Todo mal.       



1 – AL OTRO LADO DEL CORAZÓN - Rabbit Hole
Rabbit hole
(madriguera de conejo) es una expresión que se utiliza para referirse a un viaje, sobre todo emocional, a lo desconocido, que surge por la historia de Alicia en el país de las maravillas. Eso es justo lo que pasa con el personaje de Nicole Kidman: un torrente de emociones encontradas. Pero no, mejor le pusieron Al otro lado del corazón, seguro porque suena más telenovelero.


Lo Mejor del año: LOS MOMENTOS DE 2011

Hoy por fin… damos inicio a nuestro conteo anual de LO MEJOR DEL CINE EN… 2011.

Nos dimos a la tarea de recopilar lo mejor y también lo peor que se vio en México desde el 1º de enero hasta el martes 13 de diciembre (sí, calmados sé que faltan Tin Tin y Misión Imposible en todos los listados). La única regla: sin importar el año o el país, sólo concursaban películas que hayan tenido exhibición comercial.

(si quieres conocer quiénes ganaron de 2008-2010, dale click por acá)

Tomando esto en cuenta… arrancamos con nuestra primera categoría:

LOS MOMENTOS INOLVIDABLES DE 2011

10 – BRIDESMAIDS - La escena del vestido
Para el ojo poco avizor, la secuencia del vestido en Bridesmaids no es más que una escena escatológica dentro de una comedia gringa de mal gusto. Pero la imagen de la novia, literalmente cagándose en su vestido de novia, es en realidad el más poderoso statement de esta cinta que, de igual forma, se caga en los convencionalismos sobre lo que toda mujer debiera ser, aspirar o respetar.

Bridesmaids se defeca encima del ritual del matrimonio, tan falso y arcaico, de una forma demoledora y sin miedo. Eso sí que es tener… bolas.

    

       

9 –LA PIEL QUE HABITO - Ese giro de tuerca         
Lo que antes era una aspiración de muchos de los personajes de Almodóvar, se vuelve el castigo más cruel que un hombre pudo haber imaginado. *SPOILER* si no la han visto, no sigan. Vicente, el hombre capturado por el Dr. Robert Ledgard es sometido a la famosa operación jarocha y se queda sin su miembro viril. Entonces, descubrimos que Vera, la hermosa mujer que encarna Elena Anaya, solía ser un hombre. Glen or Glenda, llevado a un extremo retorcido.

 

8 – X-MEN - Magneto mueve la antena           
A pesar de las incoherencias de la película con la línea histórica de los comics de los X-Men, la cinta tiene un buen guión y grandes actuaciones, principalmente de Fassbender (Magneto) y James McAvoy (Charles Xavier). Durante el filme, entendemos la lucha interna del señor del magnetismo, y cómo la ira que lo guía y lo mueve a tomar venganza impide que todo su poder fluya.

La escena clave y quizá uno de los pocos momentos en el que estos dos personajes se verán como verdaderos hermanos ocurre cuando Magneto intenta mover una antena satelital sin éxito, Xavier le pide que lo intente una vez más enfocándose en algún recuerdo feliz de su infancia, vemos dolorosas escenas en un campo de concentración con su madre, después ambos, madre e hijo, prenden las velas de una hanukia (candelabro judío de varios brazos) durante un ritual, mientras Magneto despierta el poder que le conocemos. La antena se mueve. Una escena para todos los ñoños fanáticos del cómic, como nosotros.

 

 

7 – SUPER 8 - La escena del tren
Los primeros 15 minutos de esta película son los que la vuelven gloriosa. ¿La culminación de esa emocionante introducción? Una secuencia con un ritmo enloquecido, en donde Joe y sus amigos son testigos del descarrilamiento de un tren, que es obstruido por una misteriosa camioneta. Lo que sigue es el momento más excitante del cine en el 2011: adolescentes corriendo buscando salvar sus vidas, explosiones por doquier, objetos volando y la constante incertidumbre de no saber qué está pasando.

6 – PLANETA DE LOS SIMIOS - “Nooo”
Hacia la mitad de la película estábamos convencidos: Planet of the Apes es la primera cinta en la historia que fusionaba con éxito una actuación humana (Andy Serkis) con CGI, logrando niveles de empatía y emoción con el público que ya los hubiera querido Cameron en su aburrida Avatar.

Cuando Caesar, el chango protagonista que iniciará la revolución, nos descubre que no sólo es súper inteligente… ¡sino que además ha aprendido a hablar!… el corazón se nos estruja. Ese sonoro “NO!”, (el primer paso a la libertad es saber decir no) emociona de inmediato: estamos frente a un momento cinematográfico puro, un instante que se volverá un clásico.

 

 

5 – MIDNIGHT IN PARIS - El encuentro con los surrealistas       
Sí, Woody Allen presenta un crisol de personajes en esta odisea fantasiosa sobre el arte, el amor, la nostalgia y París. Pero, hay que ser sinceros… ¿cuántos han leído a Fitzgerald o Hemingway?, ¿Quién tiene un disco de Cole Porter?, ¿Quién conocía a Zelda Fitzgerald o Gertrude Stein? Y aún así, cuando vemos a estos personajes los sentimos como familiares…

Pero en el momento en que aparece Salvador Dalí -un Adrien Brody hilarante y plagado de clichés- se sintió un alivio porque a él todos lo conocemos, y además… ¡es ridículo! ¡Como siempre lo habíamos imaginado! Minutos después, Allen realiza un homenaje a uno de sus ídolos, Luís Buñuel, cuando Owen Wilson le da la idea para filmar El ángel exterminador.

Homenaje tras homenaje, en una de las cintas que marcaron este año.

  





4 – HARRY POTTER - Cuando Harry muere
Ok, todo el verano estuvimos faltos de amor. La mayoría de los blockbusters dejaron mucho que desear y el ‘mago del rayo’ tuvo que rifarse con una de las escenas que más nos golpearon el corazón (sí, sí tenemos corazón): Harry sabe que es el único que puede detener la masacre en Hogwarts y decide hacer el último sacrificio. Por fin, entiende el mensaje que su mentor le dejó en clave y sabe cómo debe abrir el snitch dorado con la inscripción, I open at close… lo acerca a su boca y le susurra “I’m ready to die”. ¡Buuuum!

En el camino del héroe, nos referimos a cualquiera, el momento de aceptación es el quiebre último, es aquel en el que el héroe se convierte en superhéroe, en el que un tipo común entiende el camino que anda y decide dar el último salto de fe basado en su destino. Harry no sólo acepta una misión, sabe que debe morir, para vivir por siempre. En la siguiente escena, los fantasmas de sus muertos, sus padres, su padrino y sus seres queridos le dan el último adiós. Lo que viene es historia, Harry enfrenta a Voldemort y cae “muerto”. No por mucho tiempo.

           

– BLACK SWAN - El momento lésbico
¿Será que Aronofsky tiene un algo con las escenas lésbicas? Ya nos había dado una probadita de ello en Requiem for a Dream poniendo al personaje de Jennifer Connelly en una situación bastante comprometida con otra chica mientras un grupo de millonarios satisfacían sus sórdidos placeres sexuales. Ah, los adictos. Pero bueno, en Black Swan, la cosa es menos sórdida y muuucho más seductora, intensa, y complicada para algunos que no pudimos más que cruzar la pierna. Una joven e inocente  bailarina debe encarnar el papel del Cisne Negro y se sumerge en un autodescubrimiento sexual y físico de la mano de su instructor y una extremadamente ardiente bailarina.

Natalie Portman (la inocente) y Mila Kunis (la sensual), dos de las actrices más sexys de Hollywood, inician el “baile” en un taxi donde Kunis comienza a tocar la pierna de Portman para después besarla, de ahí llevan las cosas al cuarto. Con un juego de cortes no explícitos, Aronofsky nos da una idea muy clara: una espalda que baja lentamente, un tatuaje que se mueve, bocas que gritan sin emitir sonido, manos que se multiplican y tocan todos los rincones, despertar… Vaya momento, y nosotros en el cine rodeados de extraños comiendo palomitas. Fuck.

 

2 – 127 HORAS - La escena del brazo
Ok, no es tan espeluznante como Irreversible, ni tan predeciblemente gore como un escena de Eli Roth. Cierto; pero Boyle confeccionó  el momento más… “Cierra-los-ojos-no-puedo-ver-esto” del año. La actuación envolvente de Franco, aunada a un score asfixiante, nos transmitieron el dolor visceral de sobrevivir con el filo de una navaja. ¡Qué alguien se atreva a decir que no alejó por un segundo la vista de la pantalla! ¡Alguien! Esta secuencia es nna maravilla de cine-espectáculo puro y una lección de cómo la tecnología y los efecto digitales sirven para narrar un historia, y no como mero vehículo de morbo fílmico. ¿Y quién se soprende de la habilidad de Boyle para lograr estos momentos?, recuerdan las escenas de Tumba al ras del suelo o “El bebé “ de Trainspotting.

Pues 127 horas, es superior, en este aspecto. Así que imaginen eso (bueno, las escenas escatológica en Slumdog y Trainspotting, también son dolorosamente repulsivas)

(ve aquí el video)


 

1 – PRESUNTO CULPABLE - Cuando sale de la cárcel     
Cuando Toño, el joven protagonista de Presunto Culpable, sale finalmente de la cárcel, el sentimiento que transmite es ambivalente. Por un lado nos da gusto ver a este hombre, que cual héroe de una épica improbable, ha podido sortear los laberintos del sistema de justicia mexicano, tan ineficaz como corrupto. Pero a la vez resulta imposible no sentir un poco de miedo: allá afuera está aquel juez, aquella fiscal y cientos de funcionarios más que como aquellos, condenan sin tener pruebas contundentes, sin un juicio justo.

El gran terror al final de Presunto Culpable es darse cuenta que cualquiera de nosotros podría ser el próximo Toño.


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-Orson Welles


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